CALI Y AMERICA SONEANDO HASTA LAS CACHAS

WHAT'S UP

SON DE MADRE, CANTANDO GILBERTO SANTAROSA, HAY QUE DARLE JARANA,

LOS HOMBRES CALIENTES DE NUEVA ORLEANS SI QUE LE ESTAN DANDO SURO Y AHORA QUE ME TIERON AL NEGRO HERNANDEZ, ESO ESTA SONANDO CON CANDELA, AUNQUE DE LOS TRABAJOS ANTERIORES, QUE PODEMOS DECIR, LO MEJOR DE LO MEJOR, ROMPRE SARAGUEY, FOFORO FOFIRI, ME TUMBARON LOS DIENTES.

EL PONCHO SANCHEZ CON EL TEME GUARIRUMPE, QUE PRIMERO LO ESUCHE DE LA BROADWAY, ESTA RETONANDO LA FINCA. GUADUALES ESTA SONANDO

COLECCIONANDO E INTERCAMBIANDO

ESTAMOS EN LA BREGA DE CONSEGUIR LP'S PARA NUESTROS AMIGOS Y COMPANEROS DE RUMBA Y TAMBIEN ESTAMOS COMPARTIENDO Y INTERCAMBIANDO MELODIA, SI ESTAS INTERESADO EN CUALQUIERA DE LAS DOS COSAS, SOLO UN BREVE E-MAIL, HARA EL CONTACTO CON NOSOTROS.

HEY, BIEN CONTENTOS DE QUE LA GENTE DE GUADUALES HAYAN SEGUIDO CON LA SAZON, ES BUENO SABER DE LA CONCIENCIA A NIVEL DE SALSA, ESA ES NUESTRA RUMBA............

ENTONCES COMO FUE PARCEROS , ES EL PRIMER SABADO DE CADA MES EL ENCUENTRO DE SALSA AL PARQUE !!!!!!!!

DEJENNOSLO SABER, PARA MANTENER INFORMADO A LOS QUE LES GUSTA BUSCAR EL VACILON EN OTROS BARRIOS.

PA' LANTE......

FALLECE TOMMY OLIVENCIA

VIERNES 22 DE SEPTIEMPRE /06 A CAUSA DE UN BAJON DE AZUCAR FALLECE TOMMY OLIVENCIA , EL SEPELIO ESTA PROGRAMADO PARA EL 27 DE SEPTIEMBRE EN EL CEMENTERIO VILLA PALMERAS EN SANTURCE. PUERTO RICO.
San Juan, 23 sep (EFE).- El salsero puertorriqueño Ángel "Tommy" Olivencia, quien padecía de diabetes y era candidato a un trasplante de riñón, murió a los 68 años tras sufrir un "bajón" en su apartamento del sector de Isla Verde (Carolina) aledaña a San Juan.
Según explicó a Efe Ángel "Tomito" Olivencia, hijo del artista e integrante de la orquesta de su padre, "La Primerísima", el salsero había ido el viernes por la mañana a una cita médica y al regresar a su hogar junto a su esposa Paquita para cenar sufrió un desmayo.
La asistencia médica llegó después de una hora y "Tommy" Olivencia murió de camino al centro hospitalario, dijo su hijo.
"Ha sido un desastre", indicó Olivencia y agregó que "es una pena bien triste. Estamos destrozados, pero hay que seguir hacia adelante".
Olivencia hijo, quien se distingue como manejador y timbalero del grupo, sostuvo que la muerte de su padre "es una bendición" porque a su padre "no le gustaba sufrir".
"El legado que deja papi fueron 45 años en la música. Toda la vida en la música. Su música seguirá por siempre", manifestó Olivencia.
La orquesta de Olivencia es conocida como "La Escuelita de los Soneros" y la integraron artistas como Gilberto Santa Rosa, Lalo Rodríguez y Héctor Tricoche, y los fallecidos Marvin Santiago y Frankie Ruiz.
Hoy, "La Primerísima" tiene previsto participar en el Desfile Puertorriqueño en Filadelfia (EEUU) y dedicarán la actuación a quien fuera su fundador y director.
Por su parte, el gobernador de Puerto Rico, Aníbal Acevedo Vilá, expresó sus condolencias a la familia de Olivencia a través de un comunicado de prensa.
"Una vez más Puerto Rico pierde a uno de los baluartes de la música popular. Le rogamos a Dios Todopoderoso que brinde a la familia de Tommy Olivencia y a todos sus compañeros y amigos del mundo de la música, la fortaleza necesaria para enfrentar el terrible dolor que hoy los embarga", indicó.
"No hay tiempo para tristeza, guardemos un grato recuerdo de Tommy. Hemos perdido un gran ser humano, un gran músico y sobre todo un ícono de la salsa", sostuvo, por su parte, el salsero puertorriqueño Tito Nieves en un anuncio de prensa.
"Tommy" fue discípulo de Lorenzo Feijóo, maestro de trompeta, instrumento que tocó durante poco más de una década, después de fundar "La Primerísima" en los años 60.
La carrera artística de Olivencia comenzó como director de las orquestas de Tony Valdés, José Inés Ortiz y Tony Peñita, con quienes interpretó los temas más famosos de la Sonora Matancera.
Olivencia popularizó éxitos como "Trucutú", "Fiesta de soneros", "Verdad amarga", "Planté bandera", "El Negro Chombo", "Como sube la gasolina", "Lo dudo" y "El muerto se fue de rumba".
Angel Tomás Olivencia Pagán - Biografía/////////////////////// Nació a mediados de los años 30 en Santurce, Puerto Rico. Durante las tres décadas y medias de existencia, la orquesta de Olivencia ha sido incubadora para varios cantantes de salsa. Incluyendo a Marvin Santiago, Paquito Guzmán, Lalo Rodríguez, Gilberto Santa Rosa, Frankie Ruiz y Héctor Tricoche. Olivencia comenzó como cantante a los 16 anos, pero ha preferido el rol de trompetista y director de orquesta. Comenzó a dirigir cuando contaba con 22 años de edad. El favorece una línea frontal de trompetas y trombones y utilizó una combinación de 4 trompetas y dos trombones en la mayoría de sus producciones desde 1978. Tommy sacó su mas temprana producción en su propio sello (Tioly). Firmo con Inca Records y estuvo con ellos hasta 1978. Cambio a TH (TopHIts) Records (ahora TH-Rodven) y sacó ocho discos en el sello entre 1978 y 1988. En 1990, la orquesta de Olivencia fue una de las populares orquestas de salsa de Puerto Rico acogidas por el sello Capitol/Emi Latin. Debutó con ellos al año siguiente. Los vocalistas iniciales en la orquesta de Olivencia incluían a Chamaco Ramírez y Paquito Guzmán (ex miembro de la orquesta de Joe Quijano). La última grabacion de Ramírez con Tommy fue en el 1975 con Planté Bandera. La adicción a drogas destruyó su salud y poco después murió luego de la salida de "Alive and Kicking" como solista, que contenía material que su productor y arreglista, Javier Vazquez había preparado originalmente para Ismael Rivera. Fuera de las producciones de 1975 y 1976, Guzmán fue co-cantante en seis de los album entre 1972 y 1979. Durante el mismo periodo, Guzman sacó varios album como solista para Inca Records, incluyeno Paquito Guzmán (1972), Escucha Mi Canción (1975), Mintiendo Se Gana Mas (1977) y una compilación llamada Peligro en 1980. Firmó como solista con TH Records y luego de la salida de El Caballero de la Salsa (1983) y Paquito Guzmán Con Trio (1985), se convirtió en uno de los primeros artistas en grabar la llamada salsa romántica en su mayor hit Las Mejores Baladas En Salsa (1986). La llamada Salsa Sexy levantó la carrera del cantante y continuó con Tu Amante Romántico(1987) y Aquí Conmigo(1989). En 1990 Guzmán se fue con Capitol/EMI Latin con mas de lo mismo con El Mismo Romántico. Guzmán también grabó con la Puerto Rico All-Stars en los 70 y ha contribuido en el coro extensamente con muchísimas orquestas.
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Chamaco Ramírez

Cantante y Compositor Salsero
Nombre verdadero : Ramón Luis Ramírez Toro
Fecha de nacimiento : 10 de septiembre de 1941
Lugar: Parada 26, Santurce, Puerto Rico
Falleció el 27 de marzo de 1983 en el Bronx, Nueva York ( EE . UU .)
Aunque a nivel masivo Chamaco Ramírez continúa siendo un personaje subestimado en el panorama de la música afroantillana, los denominados “salseros de la mata” lo califican como uno de los mejores y más originales soneros boricuas de todos los tiempos .
Este gran cantante era hijo de Ramón Ramírez y Mercedes Toro. Tuvo tres hermanos . Músico intuitivo . A la edad de 16 años, mientras todavía cursaba sus estudios académicos regulares en la Escuela Superior Central, se unió al trompetista Tommy Olivencia para fundar la que sería famosa orquesta que llevaría el nombre de aquel y que, más tarde, se promocionaría bajo el calificativo de «La Primerísima Orquesta de Puerto Rico», mismo que le estampó el locutor y empresario Pedro «Pichín» Collazo, propietario de WVOZ AM / Radio Voz. Con esta organización, en la que compartía las vocalizaciones con Paquito Guzmán, tuvo dos pasantías que abarcaron los períodos 1957 - 1971 y 1974 - 1976 . Dejó feliz y perpétua constancia de ella en ocho exitosos álbumes, hoy atesorados como clásicos de la salsa .
La lista de jitazos que se acreditó formando mancuerna con Olivencia tendría vigencia imperecedera : “Trucutú”, “Casabe con longaniza”, “Este guaguancó” ( 1962 ); “Sabroso” y “¿Cómo te cayó?” ( 1967 ); “Guajira y montuno”, “Homenaje a los calvos”, “La china” y “La soga” ( 1971 ); “Doroteo” y “Pa'lante otra vez” ( 1974 ); “Casimira”, “Evelio y la rumba” y, finalmente, el súper jitazo “Planté bandera” ( 1975 ). Al repertorio de la orquesta aportó, entre otras piezas : “Pepe El Toro” y “El títere” ( 1968 ).
Luego de separarse de Tommy Olivencia, nuestro biografiado se radicó en Bronx, Nueva York ( EE . UU .). En esta plaza trabajó algún tiempo con la orquesta de Francisco «Kako» Bastar. Más tarde ( 1978 - 1981 ) radicó en Los Ángeles, California, donde integró algunos combos de menor cartel . Concluido aquel ciclo, regresó a San Juan y, al cabo de dos meses, a Nueva York ( 1981 ).
Muy desafortunadamente, su carrera artística se vio accidentada por, alegadamente, el consumo de narcóticos por lo que, en diversos momentos, confrontó problemas con la justicia, tanto en Puerto Rico como en Nueva York . Tristemente a las 2 : 00 de la madrugada del domingo 27 de marzo de 1983 fue encontrado en un paraje solitario del Bronx gravemente herido de un balazo en la nuca y otro en una mejilla . En un trágico desenlace, Chamaco Ramírez falleció mientras era conducido al hospital .
Miguel López Ortiz
Fundación Nacional para la Cultura Popular

Discografía básica-
“Planté bandera” (Inca, I-1042), 1975
“Juntos de nuevo” ( Inca, I-1035 ), 1974
“Fire-Fire” ( Inca, I-1003 ), 1967
“Way Out, Vol. 4” ( con la Alegre All Stars) ( Alegre, SLPA - 8440 ), 1966
“Jala-jala y guaguancó” ( Inca, I-1002 ), 1965
“La nueva sensación musical de Puerto Rico” ( Inca, I-1001 ), 1965
“Trucutú” ( Tioly Records ), 1962
“Lo mejor de Kito Vélez, Los Montemar y Tommy Olivencia” ( USA Records ), 1960

Recopilación discográfica por Miguel López Ortiz / Fundación Nacional para la Cultura Popular

10-jul-06

JERRY GONZALEZ

JERRY GONZALEZ

Haciendo un poquito de historia, ¿cómo empieza Jerry González?
Primero, mi papá era cantante. Me enseñó muchas cosas, cómo tocar la trompeta, la escala de la trompeta. El era cantante en la época del mambo y trajo mucha música pa’ la casa. El fue el primero que me trajo un disco de Louis Armstrong y un disco de Charlie Parker que, a los diez años, me voló la cabeza. Y siempre me gustaba la timba y la trompeta... Y en el sétimo grado de Junior High School me rompí una pierna y estaba sentado en la casa sin ir a la escuela por un par de meses, y un amiguito me trajo una conga a la casa y como tenía todos los discos de Mongo, Barretto, Tito Puente y Eddie Palmieri, empecé a tratar de imitar la conga en los discos, marchando con el disco y tratando de imitar los solos de los maestros Barreto, de Mongo, de Tommy López, luego comencé a imitar a Patato a Tata Guines y así aprendí a meterle mano a la timba. Mongo era uno de los modelos míos en la conga que tuve al comienzo.
El maestro Jerry González y Guido Herrera.
Cuál fue tu primer grupo profesional?
A los 13 años en Nueva York, y en ese grupo estaba el pianista Loule Mathews (que toca con Nancy Wilson, tremendo cantante de jazz). Él era un mentor para nosotros y nos enseñó muchas cosas. Él, Andy, yo, Larry Willis, nos graduamos en la misma escuela superior, que se llamó High School Of Music and Arts en diferentes épocas. Yo me gradué en el 67 y Andy en el 68 y Loule más temprano.
¿Quién es el hermano mayor, Andy o tú?
Yo soy el mayor, por dos años. Todo el mundo cree que Andy es el mayor por cómo se comporta, tú sabes. Yo soy el más loco y él es más tranquilo (RISAS).
¿Cuál es la primera orquesta conocida en la que Jerry González entra a tocar?
Bueno, toqué con la orquesta Flamboyán que no era un grupo famoso pero tocaba en Nueva York, era de gente joven que imitaba el estilo de Eddie Palmieri. De ahí empecé a tocar con Dizzy Gillespie a los 18 años. Me llevó y me tiré a tocar con él en Washington, sin ensayar ni nada, y me quedé en el grupo un año, y grabé un disco con él y Patato que se llama Portrait of Jenny, Andy estaba en el grupo y Nicky Marrero tocó también. Un día Dizzy, cuando tocaba con él, me recogió de casa y me llevó a visitar a Louie Armstrong. En ese tiempo yo estaba tocando trompeta profesionalmente por solo cuatro años y hasta hoy no puedo explicar lo que sentí al estar sentado en medio de esos dos genios de la trompeta. Es un recuerdo que llevo en mi alma. Una de las conversaciones de ese día fue acerca de Al Capone (RISAS). Louie Armstrong contaba que a Al Capone le encantaba cómo tocaba la trompeta y cada vez que este iba a Chicago, él personalmente lo atendía muy bien e iba a verlo y se encargaba de que no le faltara absolutamente nada, Al Capone era un fanático de Louie Armstrong. Después de Dizzy, me fui de ahí pa’l grupo de Tony Williams (baterista de Miles Davis), un fenómeno, y cuando salí del grupo de Tony empecé a tocar con Eddie Palmieri, en el 71 y hasta el 74. Cuando estaba en mis 20’s, aprendí mucho con Eddie Palmieri y me siento agradecido por eso, nosotros aprendimos mucho con él. No tomamos lecciones, pero al tocar con él cada día se aprendía mucho. Luego me colé con Andy y Manny en Libre y pasé como 18 años tocando con Libre.
Primer disco del Grupo Folklórico, “Conceptos en Unidad”.
En casa de Jerry nació el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino
¿Cómo decides dejar Libre y formar Fort Apache Band?
Tuve una discusión con Manny y me botaron (RISAS). Y como es el papá del grupo lo respeté. Ya tenía el grupo mío formado pero no estaba trabajando tanto. Pero la raíz de tocar con Libre es bien fuerte y siempre me gusta tocar con ellos, y cuando me dan un chance para tocar me animo porque me gusta tocar con Oquendo que, pa’ mí, es el mejor timbalero. Oquendo tiene una fuerza impresionante.
¿Cómo se forma el Conjunto Folklórico Experimental Nuevayorquino?
Bueno, en los 70’s los jóvenes de esa época estábamos aprendiendo y experimentando y buscando comida para alimentar la cabeza musical. En mi casa había descarga todos los días. Por ahí pasaban Nicky Marrero, Nelson González, toda la gente, Virgilio Martí, Patato, Chocolate iban a mi casa para descargar. Los jóvenes con los viejos, y de ahí nace el grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino, que originalmente se llamó Conjunto Anabacoa. Eso es lo que estábamos haciendo en mi casa antes de grabarlo. Entonces René López y otra gente vieron lo que estaba pasando y buscaron un sello para grabar la idea. Con ese grupo hice tres o cuatro conciertos en colegios en Massachusetts, New York y Washington DC y después de un tiempo nada pasó con el grupo... Después estuve con Libre que grabó su primer disco como un año después del Folklórico. Sabes que pronto vamos a empezar a grabar el tercer volumen del Folklórico? Me acabo de enterar que vamos a ir al estudio. Todos los músicos que están todavía vivos y algunos otros y vamos a grabar un nuevo volumen del Folklórico en un par de meses.
¿Se puede decir que la base de Manny Oquendo y Libre fue el Conjunto Folklórico...?
Bueno, la base éramos nosotros: Andy, Manny y yo, y otra gente que estuvo envuelta. Después tuve la oportunidad de grabar mi primer disco, que se llamó Ya yo me curé.
Tenías una línea de músicos excepcionales ahí: Milton Cardona, y quien en vida fuera Frankie Rodríguez...
Sí, bueno, este disco era para mí como lo que seguía del Conjunto Folklórico porque después de los dos discos que grabamos con el Folklórico no pasó nada.
Segundo disco del Folklórico, “Lo Dice Todo”.
Es difícil mantener un grupo de esa categoría en un mercado tan comercial, no? No ha cambiado mucho el panorama en ese sentido...
La salida al mercado del Folklórico cambió mucha de la música que se hacía en New York en ese tiempo. Antes del Folklórico no se oía el tres o el batá. No se escuchaba un buen guaguancó. Antes de ese disco se escuchaba el sonido de la Fania y luego ya otros grupos empezaron a usar el batá y el tres... Se tocaba más mambo, chacha, guaracha... Y yo como soy rumbero me gusta el guaguancó, el yambú y la rumba columbia y todo...
¿Por qué Libre no ha grabado muchos discos en todos sus años de carrera?
Porque Libre apareció en la época de Fania. Y políticamente, Fania no estaba de nuestro lado. Ellos le robaron a mucha gente y ha nosotros nos trataban como si fuéramos invisibles. No nos destruyeron, pero eso tampoco nos ayudó a ser más visibles. Así que Libre se convirtió en un grupo de vanguardia.
Tratando de mantener el pasado y seguir al futuro
Tú has hecho salsa, folklore y jazz por casi 40 años. ¿Qué piensas del género musical hoy en día?
Bueno, hay muchos jóvenes que están surgiendo y aprendiendo. Es bueno verlos. Las cosas siempre están cambiando y regresando. Yo estoy tratando de mantener el pasado y seguir al futuro.
¿Quiénes son tus mentores en el lado latino y en el jazz ya que tú tocas ambos géneros?
Es una lista larguísima. Algunos de ellos son Carlos ‘Patato’ Valdez, Mongo Santamaría, Chano Pozo, Los Muñequitos de Matanzas, Armando Peraza, Francisco Aguabella, Los Papines, Tata Güines, Manny Oquendo, Arsenio Rodríguez, La Orquesta Aragón, Los Van Van. En el jazz: Dizzy Gillespie, Miles Davis, McCoy Tyner, John Coltrane, Charlie Parker, Max Roach, Lee Morgan, Louis Armstrong...
Con el Rey Tito Puente.
¿Y de los congueros de hoy cuáles te atraen?
Giovanni Hidalgo, Richie Flores, Paoli Mejías, Angá, Pedrito (el que canta y toca con Patato en Calle 54), Pedrito es muy bueno ¡Me encanta cómo canta y cómo toca!.
¿Qué música escuchas cuando estás en casa?
De todo, música africana, clásica, flamenco, jazz, bebop, son montuno. Muchos de los discos viejos porque tienen muchas cosas de las que todavia puedo aprender. Y, por supuesto, de esa época los discos que yo considero clásicos, cosas de Arsenio Rodríguez, Chapotín, Aragón, Miles Davis, Fats Navarro, John Coltrane, Dizzy Gillespie, Stravinsky. Yo estoy escuchando mucha música constantemente.
La trompeta del Flamenco
¿Cómo está Andy?
El está bien, sólo esperamos que la herida que tiene cierre pronto ya que no puede viajar con nosotros. El tenía diabetes por quince años y no lo sabía. Es muy raro, una enfermedad silenciosa. El no ha dejado la música, pero no puede viajar mucho. Así que esperamos que se recupere pronto.
¿Cómo cambió tu vida luego del documental Calle 54 de Fernando Trueba?
Es la primera vez que me siento famoso (RISAS). En serio, te digo, nunca estuve en una película antes y parece que dejó una buena impresión en mucha gente, especialmente en España donde la película se exhibió bastante. Mucha gente en España ya me conocía antes que yo llegara ahí. Recuerdo que llegué a España la primera vez y cuando salí del hotel a buscar algo que comer en La Gran Vía fui secuestrado por 50 personas que querían mi autógrafo. Cada vez que toco allá lleno los lugares, Así que una voz en mi cabeza me decía: “Tienes que quedarte en España”.
Disco con Los Piratas del Flamenco donde estuvocomo invitado Diego 'El Cigala'.
¿Cómo se realiza Los Piratas del Flamenco?
Javi Limon, quien tiene un estudio allá, me convenció para que me quedara luego de un tour por seis ciudades que hicimos con Fort Apache Band después que se estrenó la película. Entonces me decían: “quédate quédate”, y me quedé en su casa por siete meses (RISAS). Yo estaba haciendo muchas cosas los primeros meses que me quedé allá, grabé con mucha gente. Toqué trompeta en un disco de Paco de Lucía, Enrique Morentes, Diego Amador, y mucha otra gente… Acabo de terminar de grabar un disco de big band con un músico que me seguía por todos lados llamado Miguel Blanco. El me decía: “quiero hacer un disco de big band al estilo de Miles Davis, pero quiero que tú toques la trompeta, yo voy a hacer los arreglos especialmente para ti”. Entonces yo le dije: “cuando tengas los arreglos me avisas” y, finalmente, lo hicimos.
Bueno Los Piratas… Eso pasó en las primeras dos semanas que estuve allá. Entramos al estudio y empezamos a experimentar y ellos nos estaban grabando sin nosotros saber. Luego de hacer nueve números lo escuché y se lo di a Fernando Trueba. Luego de escucharlo me llamó al día siguiente y me dij “esto está muy bueno, tenemos que ponerlo en la calle”. Y después de negociarlo me dieron 20,000 dólares. Imagínate, sólo experimentando en las primeras semanas me hice todo este dinero. Y comencé a hacer todas estas cosas que no se puede hacer en New York.
“No soy un profesor” / Bebop con Cajón Peruano
¿Con cuál instrumento te sientes más cómodo cuando estas tocando, la trompeta o la conga?
Me sentiría más cómodo si tuviera cuatro brazos, así podría tocar los dos a la misma vez (RISAS) ya que, a veces, mientras estoy tocando la trompeta en mi mente quisiera estar haciendo algunas cosas con la conga o viceversa (RISAS). Últimamente, en España estoy haciendo cosas solo con duets con un bajista llamado Javier Colina. Yo traigo el cajón peruano y mi trompeta y Colina en el bajo y quemamos la casa (RISAS). Acabamos de hacer diez conciertos hace unos días, todos con las salas llenas. Tocamos bebop y yo toco bebop en el cajón, suena bien sabroso eso.
Con su hermano Andy en la película “Calle 54”.
Ahora que estás en España, cuéntanos la historia del cajón peruano según lo que ha escuchado Jerry González?
No se usaba en flamenco hasta que Rubén Dantas, percusionista brasilero quien tocaba con Paco de Lucía lo trajo a España luego de uno de sus viajes al Perú. Él lo trajo a la escena musical y ahora todo el mundo en España lo usa. Es un instrumento dominante en el flamenco hoy en día y cuando lo vi por primera vez me atrajo mucho más al flamenco por su sonido percusivo y su tumbaito diferente a cualquier otro sonido percusivo.
¿Qué estás haciendo en estos días en España? ¿Tienes un grupo constituido?
Mucho jazz y latin Jazz… Lo que ya te dije acerca del duet y del big band. Pero tengo un cuarteto, que es como mi grupo oficial. Caramelo en el piano, Alain Pérez en el bajo y Piraña en percussion y cajón. Tenemos varios números que grabamos en estudio hace ocho meses, pero todavía estoy decidiendo si voy sacar al mercado el disco del estudio o si quiero hacer algo en vivo, ya que cuando tocamos en vivo es más intenso. En estos días tambien estamos trabajando en otro disco con Los Piratas del Flamenco, acabamos de tocar varios conciertos pero esta vez tenemos al tío de Piraña, cantando con los Piratas. A él le dicen Guardiana, y la verdad me gusta mucho más como canta, tiene ese sonido intenso y macho en su voz. Acabamos de estar en North Sea Jazz Festival y quemamos la casa. Fue muy intenso, hicimos flamenco en ese festival. En el grupo estaba Tomatito, Chano Domínguez, y cuando dejamos el escenario la gente estaba con una euforia tremenda.
¿Cómo ha cambiado la escena musical en España cuando llegaste?
Todo el mundo allá me está agradeciendo por permanecer en España ya que yo soy el único trompetista que está tocando flamenco en España. Los críticos dicen que desde que estoy allá la escena musical en Madrid está mucho mejor y yo creo que se debe a que yo soy un agitador (RISAS). Siempre estoy empujando a los músicos a tocar y a aprender. Muchos músicos jóvenes me siguen, pero como no soy un profesor yo no doy clases, así que la única forma que les puedo enseñar es en el escenario. Entonces yo los empujo a que toquen conmigo y que aprendan ahí y que absorban la música directamente.
Jerry en las congas y Mario Rivera en la flauta.
Tocar cualquier estilo musical
Vamos a hablar un poquito de Fort Apache Band?
Los Integrantes de esta banda están conmigo por veintidós años, solamente eso es raro. No creo que haya una banda que tú puedas nombrar ahora que se mantenga con el mismo personal por tanto tiempo y eso hace que tengamos una comunicación increíble en el escenario. Hay mucha telepatía en el escenario cuando toca Fort Apache.
¿Cómo reclutaste a los músicos para Fort Apache?
A Steve Berríos lo conocí cuando él tocaba con Mongo. Bueno, nos conocíamos, pero hablábamos muy poco. Ya cuando formé mi banda lo llamé y ha estado conmigo todo este tiempo. Él es como un hermano para mi. A Larry Willis lo conocí cuando me invitaron a tocar por una semana con Sunny Fortune, recuerdo muy bien que era Día del Padre y mis mellizas recién habían nacido. Entonces Larry Willis tocaba piano en ese grupo y nos hicimos amigos, así que se mudó a mi apartamento por 2 años y trabajamos todos los días y él me enseñaba cosas y yo le enseñaba a él. Recuerdo que quería aprender como lidiar con la clave. Es un genio en el piano, armónicamente un genio. Me encanta tocar con Larry. Joe Ford, conocí a Joe Ford mientras tocaba con McCoy Tyner. Me llamaron a tocar con McCoy y Joe ya tocaba con el por ocho años. Otro gran músico, Joe toca de manera excelente su instrumento, y está con nosotros desde el comienzo.
¿A esta altura de tu carrera qué tipo de música prefieres tocar?
Cualquiera, No tengo preferencia. Yo puedo y voy a tocar cualquier estilo musical. La única preferencia que tengo es luego de determinar si es buena música o mala. En ese caso, escogeré la buena…. Sin importar el género, he grabado con músicos de Mali, con los gitanos… Estoy seguro que puedo grabar cualquier estilo musical.
En el Blue Note de Japón.
Hablamos acerca de tu instrumento? Las Congas, la Trompeta, no muchos percusionistas hoy en día tocan el modelo de congas que tocas tú...
Las congas que uso las hace una persona llamada Junior Tirado en Brooklyn. Desafortunadamente, Junior está muy mal en estos días. Junior aprendió a fabricar congas gracias a Raúl, el hermano de Arsenio Rodríguez. Yo uso las congas de Junior por más de 30 años, tengo un set aquí en Estados Unidos y otro en España. Acerca de la trompeta, todavía sigo practicando (RISAS)
En estos días se está grabando muchos homenajes y repitiendo cosas del pasado, personalmente yo no creo que vamos a algún lado. ¿Qué opina Jerry González de eso?
Depende del nivel de los músicos, de su creatividad. Yo no voy por el mundo diciendo que estoy grabando cosas nuevas porque grabo cosas del ayer, pero le pongo lo mío y dejo que los músicos en la banda pongan lo suyo. Respeto las raíces, pero todo depende de lo que cada músico quiere hacer. Lo único es que a mi ningún productor me va a decir lo que tengo que grabar. Siempre voy a grabar lo que yo quiero.
“Me siento como Los Muñequitos de Matanzas”
Eres uno de los pocos músicos que están en el escenario con cinco congas. Dime, ¿por qué?
Yo creo que he ido evolucionando poco a poco, comencé con solo una… (RISAS). Pero en ese tiempo lo hice a propósito para aprender su función sólo repicando y tocando el tumbao, sólo manteniendo el tiempo sin tocar solos. Me costó mucho… Aprendí a llevar la marcha, es algo que puede parecer algo muy simple y ala misma vez muy aburrido, pero que se tiene que hacer porque es muy importante y fue un descubrimiento poderoso. Entonces empecé a tocar con dos, tres y cuatro y cinco. Cuando estoy tocando con cinco congas me siento como los Muñequitos de Matanzas, todos ellos dentro mi. (RISAS)
Jerry tocando sus cinco congas.
Gracias por esta conversación, Jerry…
Gracias a ti por la entrevista. Cada vez que llego a Los Ángeles me encanta pasar por Alma Del Barrio, aparte que tú tienes casi todos los discos que yo he grabado en treinta años y, aunque no lo creas, no tengo ninguno de ellos (RISAS).
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Moliendo Café/ Fort Apache Band/ Obsesión.
¿Cuéntanos acerca de este disco?
Con Fort Apache Band grabamos este disco en 1992. Los productores eran unos japoneses. Ellos me dieron una lista de números que ellos querían que grabáramos, y les dije: “No, no...” Así que yo arreglé la lista y empecé a grabar otros números porque me tenían tocando unas cosas bastante extrañas. Así hice este tema que es de Pedro Flores y se llama “Obsesión”.

Rumba para Monk/ Fort Apache Band
“Nosotros hicimos este disco a finales de la década de los ochenta como homenaje, un poco después que falleció Thelonious Monk. Monk era un gran compositor y pianista, tremenda figura en el jazz. El armónicamente utilizaba acordes que eran extraños para muchos en su tiempo. El es uno de los pioneros de ese género. La música de él tiene algo que mantiene la clave. Yo he escuchado y estudiado todos sus discos y lo sigo haciendo. Cuando yo escuchaba los discos de Monk yo sentía rumba en sus temas. En el mundo del jazz mucha gente conoce la música de Thelonious Monk, pero los que escuchan latin jazz no sabe mucho de él. Así que cuando hicimos este disco tanto la gente que escucha jazz como los que escuchan latin jazz se quedaron impresionados con lo que hicimos. Y hasta hoy los críticos dicen que este es uno de nuestros mejores trabajos”.

WELFO

WELFO
Welfo Gutiérrez En 1973 es solicitado por Rogelio Martínez para ser integrante de la famosa Sonora Matancera, con quienes llega por vez primera a México, la que sería su patria adoptiva. Sus hits más recordados son “Anacaona”, “Cañonazos”, “La Hija de Lola”, “A Mí Qué” y “El Alacrán”. En 1976 deja la Sonora y se radica en tierra azteca para seguir su carrera como solista al frente de su propio grupo. En Junio 1989 es invitado para el 65 Aniversario de la Matancera, en los conciertos del Carnegie Hall y el Central ParkYa se había nacionalizado mejicano, por el amor y respeto a la tierra que lo acogió y que lo homenajeó en varias ocasiones, siendo una de las últimas el tributo del 2003 en el Festival del Son en Veracruz. Su última presentación con la Matancera fue en Fort Worth, Texas el 23 Octubre 2004. En sus últimas presentaciones ya se mostraba enfermo, aunque nunca dejó de cantar: “De aquí sólo me bajan muerto”, decía mientras agitaba sus maracas y soneaba ya con voz balbuceante. En Abril 2005 había sido sometido a una operación a la próstata. Sin embargo su salud siguió deteriorándose hasta que fue nuevamente internado en un hospital de Ciudad de México donde, víctima de un paro cardiorrespiratorio, murió el 31 Mayo.

RAPHY LEAVITT Y LA SELECTA

La SelectaDesde 1966, Raphy Leavitt había asumido el rol de director al formar su propia agrupación musical, Los Señoriales, la que luego llamó La Banda Latina, dedicándose a interpretar canciones tradicionales de la música popular y uno que otro éxito de las orquestas salseras que se habían puesto de moda. Un fiel y asiduo admirador de los ritmos tropicales, sintió una preocupación genuina por la “salsa” cuando algunos acusaron al género de no aportar nada constructivo a la cultura del país.En el verano de 1970, luego de haber completado sus estudios en la Universidad de Puerto Rico, Raphy reunió a los integrantes de su agrupación para comunicarles sus nuevas aspiraciones en la música. Mientras conversaba con ellos, pudo notar en el rostro de aquellos muchachos expresiones de inseguridad y tristeza, pues comprendieron que a La Banda Latina le había llegado su final. Raphy comenzaba una nueva etapa de creatividad asumiendo las responsabilidades de compositor y de arreglista. Así, en 1971, fundó la Orquesta La Selecta, una orquesta totalmente diferente, con estilo original, sonido único y un repertorio “selecto” de canciones enfocadas a despertar la conciencia de un pueblo en su lucha por la justicia social. En sus comienzos, La Selecta estuvo integrada por diez jóvenes puertorriqueños, a saber: Raphy Leavitt (fundador, director, compositor, pianista y arreglista), Sammy Marrero (cantante), Luisito Maisonet (trompetista), Richard López y Franky León (trombonistas), Jimmy Sánchez (bajista), Nelson Ramos (timbalero), William “Kidland” Marcano (conguero), Felipe “Felo” Román (bongosero), y Carlos “Cao” Sánchez (“bandboy”).A nivel comercial, se dieron a conocer bajo el sello Discos Borinquen, para el cual realizaron nueve producciones discográficas. Siguiendo la recomendación del Sr. Luis Raúl Striker, reconocido locutor de la radio puertorriqueña, el Sr. Darío González, (presidente de Discos Borinquen) en unión al Sr. Eduardo Cuervo (gerente, distribuidor y promotor de Discos Borinquen en Nueva York) y el Sr. Benito “Tin” Valdés (vice-presidente de Discos Borinquen) se dió a la tarea de grabar a aquellos jóvenes sobre los cuales el Sr. Striker había comentado: “¡Esos sí son diferentes. No pierdas tiempo y grábalos!”. Su discografía para Discos Borinquen incluye:: Payaso (1212), Mi Barrio (1221), Jíbaro Soy (1236), Herido (1269), A Recorded Inferno (1294), De Frente a la Vida (1311), Con Sabor a Tierra Adentro (1335), Cosquillita (1365), Soledad (1387), Éxitos Originales, Vol. I (1541), Éxitos Originales Vol. II (1550), 12 Boleros (1599), dos temas en 20 Éxitos Navideños-La Salsa de Borinquen (1248) y el más reciente compendio en doble disco compacto Raphy Leavitt y su Orquesta La Selecta-30 Años de Éxitos (DG-1610).

En 1971, La Selecta sentó el precedente de ser la primera orquesta de “salsa” en ocupar la primera posición en los “hit parades” de Puerto Rico por doce semanas consecutivas con el bolero-montuno “Payaso”, composición original de Raphy que dió título a su primera grabación. Paulatinamente cada uno de los temas en esta producción, compuestos también por Raphy, pegaron en la radio. Así, desde su comienzo La Selecta demostró que no era un meteorito fugaz destinado a desaparecer, sino que continuaría brillando como toda una estrella porque tenía luz propia. Obtuvieron su primer 45 de Oro y LP de Oro, máximos galardones otorgados por las ventas de discos en la década de los años setenta. La Selecta lanzó su segunda producción discográfica en 1972 bajo el título “Mi Barrio”. Con esta grabación establecieron otro precedente en la radio puertorriqueña. Nunca antes, dos canciones interpretadas por el mismo artista ocuparon a la misma vez el primer lugar en todos los “hit parades”: “Amor y Paz” (Raphy Leavitt), y “Destino Humano” (Felo Román). Esta grabación también contiene los éxitos “Soldado”, “Mi Barrio”, “El Solitario”, de la autoría de Raphy, y “Oye mi Bongó”, de Luisito Maisonet.En sus primeras dos grabaciones, La Selecta había interpretado con éxito los ritmos del bolero, el son montuno y el guanguancó. Sin embargo, Raphy estaba consciente de que la música autóctona puertorriqueña se había quedado rezagada ante la popularidad que alcanzaron los ritmos afro-antillanos. Su amor patrio y su deseo inagotable de defender los valores culturales de su tierra lo motivaron a componer otro de sus super-éxitos internacionales “Jíbaro Soy”, título con el cual identificó su tercera grabación en el año 1973. En “Jíbaro Soy”, Sammy Marrero demostró que, además de ser bolerista y sonero, tenía la capacidad y el conocimiento para interpretar con éxito la música típica puertorriqueña.Una vez más, La Selecta sentó la pauta al ser la primera orquesta salsera en lograr incorporar la décima puertorriqueña y el seis chorreao al género. Más aún, con esta composición lograron marcar un periódo de afirmación nacional en la salsa de los 70.En este album, Félix (Dino) Guy Casiano, interpretó los boleros “Perdóname Cariño” y “Consentida” y la voz requinta en los coros de la orquesta.En ese mismo año, La Selecta grabó la plena-aguinaldo “Parranda Selecta” (Raphy Leavitt) y la bomba-aguinaldo “Fiestas de Navidad (Tony Cintrón / Raphy Leavitt). Estos dos temas fueron incluidos en la producción titulada “La Salsa de Borinquen en Navidad” (“20 Exitos Navideños-La Salsa de Borinquen”), una compilación de canciones navideñas interpretadas por los artistas de Discos Borinquen. Con estas dos composiciones, Raphy Leavitt pudo demostrar una vez más que la música típica puertorriqueña se podía integrar con éxito al género de la “salsa”.Desde sus comienzos, el éxito de La Selecta no se circunscribió a su tierra natal, Puerto Rico. Como una ola gigantesca, su música se desplazó por todo el Caribe hasta Centro y Sur América, dirigiéndose hacia el norte a las comunidades de habla hispana en la nación americana, cruzando el Atlántico hasta el continente europeo y Africa, prosiguiendo luego hasta Japón.Este éxito se vió interrumpido cuando, el 28 de octubre de 1972, cinco integrantes de la orquesta tuvieron un accidente de tránsito fatal mientras viajaban de Nueva York hacia Connecticut, donde harían una presentación. En este accidente perdieron sus vidas el Sr. Jesús Ruiz, chofer del vehículo, y Luisito Maisonet, trompetista de la orquesta. Raphy Leavitt estuvo al borde de la muerte al sufrir una contusión cerebral que lo mantuvo semi-inconsciente por cuatro meses y una fractura masiva en su cadera que requirió seis meses de hospitalización. Richard López, trombonista, fue operado de una fractura del fémur izquierdo y dado de alta a los tres meses de tratamiento. Franky León, trombonista, y William Marcano, conguero, fueron atendidos por fracturas en rodilla y mano, respectivamente.
Durante los primeros cuatro meses de su hospitalización, el Dr. Gary Gallo, médico a cargo de un equipo de nueve especialistas asignados a Raphy, había prohibido que se le informara a su paciente sobre la muerte de Luisito, ya que existía la posibilidad de que éste quedara en trauma para el resto de su vida. Mas, sin embargo, según pasaba los días y las semanas postrado en aquella cama del hospital, Raphy tuvo una serie de sueños y visiones que lo ayudaron a fortalecerse emocionalmente para aceptar la realidad de aquel trágico suceso. Tuvo la visión de una cuna blanca, visión que le era imposible comprender pues desconocía lo que había sucedido. ¡Cuantas veces regañó a Luisito en sus sueños, al verlo vestido de negro mientras La Selecta lucía uniformes brillantes! Y aún recuerda la última vez que soñó con su compañero... sumido en un sueño profundo, despertó al escuchar el sonido brillante de una trompeta... Al abrir sus ojos vió a Luis, quien se despidió comunicándole: “Ahora sí te voy a ayudar... ahora soy espíritu”.Era ya febrero de 1973, y mientras observaba la nieve caer desde la ventana de su habitación en el hospital, Raphy comenzó a componer los versos de despedida que no le pudo ofrecer a su compañero en su sepelio. “La Cuna Blanca” es la descripción metafórica del ataúd donde se depositaron los restos de aquel compañero que, aunque pequeño en estatura, fué un gigante por su humildad y nobleza de corazón.En Puerto Rico y en el extranjero, “La Cuna Blanca” se ha convertido en un himno que el pueblo interpreta en los entierros de sus seres queridos. Año tras año, siempre ha sido, de los clásicos de la “salsa”, la canción más solicitada en las estaciones de radio. Esta composición fue incluída en el album titulado “Jíbaro Soy”, por el cual La Selecta obtuvo su segundo Disco de Oro. Por ambas composiciones, Raphy Leavitt fué seleccionado “Compositor del Año” y galardonado con el “Busto de Oro-Rafael Hernández” en Puerto Rico. En la República de Panamá, La Selecta recibió las distinciones “Grupo Orquestal Más Popular-1972”, “Orquesta Internacional Más Popular-1973” y el “Buho de Oro-1974”. Mientras Raphy permanecía hospitalizado en Estados Unidos, en Puerto Rico hubo quienes lograron introducirse en el mercado de la “salsa” imitando y copiando el sonido y el estilo original de la Orquesta La Selecta. Por este motivo, Raphy decidió cambiar el sonido de su orquesta y en 1974 lanzó su cuarta grabación titulada “Herido”. En este super-éxito, Raphy expresa su indignación y lástima hacia aquellos que se aprovecharon de su desgracia para lograr el éxito de sus orquestas. Asimismo, los temas “Lamento Jíbaro”, “Dueña y Señora” y “Mentira”, composiciones de Raphy, ocuparon posiciones privilegiadas en las listas de éxitos. En 1975, La Selecta grabó “A Recorded Inferno”, del cual popularizaron los temas “Voces del Africa”, “Despertar”, “Niñez” (Raphy Leavitt), “Danzón Guajira” (Felo Román) y “Soroco” (Luisito Maisonet).Tituló su sexta grabación “De Frente a la Vida”. Una vez más, en 1976, La Selecta sentó la pauta al ser la primera orquesta de “salsa” que grabó un tema religioso. “El Buen Pastor”, son- montuno compuesto por Raphy, acaparó las ondas radiales en Puerto Rico, el Caribe y Estados Unidos y causó revuelo en Panamá, Venezuela, Colombia y México. Las composisiones “Viento” (Raphy Leavitt) , “Falsedades” (Raphy Leavitt / Carlos Torres) y “Te Arrepéntiras” (Jimmy Sánchez) ayudaron a consolidar el éxito de esta producción, con la cual obtuvieron su tercer Disco de Oro.
En el año 1977, La Selecta visitó por vez primera la República Dominicana y la República de Venezuela. Su presentación en el Teatro Agua y Luz en la capital dominicana sobrepasó todos los records de asistencia anteriores ante seis mil fanáticos de su música. En Venezuela, causó revuelo al presentarse en Caracas y en La Guaira ante un público ansioso por conocer a los creadores de “El Buen Pastor”.En su album “Cosquillita” (1978), La Selecta dió a conocer al joven cantante Tony Vega con los temas “Cosquillita” (Raphy Leavitt), Sheila Taína” y “El Picaflor” (Jimmy Sánchez). El éxito de Tony ayudó a aliviar la presión que recaía sobre Sammy Marrero, quien había pegado e interpretaba prácticamente la totalidad del repertorio de la orquesta.La Selecta realizó su última grabación para Discos Borinquen en 1979 con su album “Soledad”, del cual los temas “Corazón Malvado” (Raphy Leavitt), “Soledad” (Jorge Ayala).
“Amigo Mío” y “Quién es Quién” (Jimmy Sánchez) cerraron con broche de oro una cadena de éxitos para este sello disquero.Durante la década de los 80, La Selecta comenzó una nueva etapa en su carrera artística firmando con el sello disquero TH Records, para el cual realizaron tres producciones discográficas.La primera de éstas, titulada “Raphy Leavitt-La Selecta” (TH-AM-2132) y realizada en 1981, contiene los éxitos “A La Sombra de un Flamboyán” (Raphy Leavitt) y “A Tropezón” (Jorge Ayala), vocalizados por Sammy Marrero. Esta producción también contó con la participación de los vocalistas Rafi Miranda y Roberto Ortiz.El año siguiente, 1982, cónsono con la celebración de su décimo aniversario en la música, La Selecta grabó su segundo álbum para TH Records titulado “Diez Años Sembrando Semillas en el Alma del Pueblo” (TH-AM-2178). El mismo contiene los éxitos “Como el Moriviví” (Jorge Ayala), “Perla Mala” (Rolando Gorrín) y “Sólo Fuiste una Más” (Sammy Marrero), todos en la voz del tradicional Sammy Marrero. Asímismo, en este álbum Raphy dio a conocer el talento y la versatilidad en el soneo del jóven vocalista Carlos Ramírez, quien logró conquistar la aceptación y el reconocimiento de la fanaticada salsera con su interpretación de los temas “Cuando el Río Suena” y “Bella Flor”, composiciones de Raphy Leavitt.En 1983, salió al mercado el álbum titulado “Segundo Concierto de la Familia TH” (TH-AMF-2244) en el cual La Selecta participó con el éxito “La Guiñaíta” (Raphy Leavitt), vocalizado por Carlos Ramírez.En ese mismo año, La Selecta terminó su contrato de exclusividad con TH Records con la producción titulada “Siempre Alegre” (TH-AMF-2257). La misma contiene los éxitos “Siempre Alegre” (Manuel Jiménez), “Villa de Condenados” (Raphy Leavitt) y “Cositas Que se Olvidan” (Raphy Leavitt).A finales de la década de los 80, Raphy Leavitt asumió el rol de productor independiente realizando dos producciones para el sello disquero de Bobby Valentín, Bronco Records.Con el álbum titulado “Somos del Son” (Bronco-139), en 1986, La Selecta logró pegar fuertemente los temas “Somos el Son” (Víctor Rodríguez Amaro), “Primera Vez” (Raphy Leavitt), “Chiquilla” (Luis Marrero) y “La Cuica” (Peter Velázquez). Debido al éxito obtenido, La Selecta fue galardonada con el “Premio Diplo” como “Orquesta del Año-1986”. Con su segunda producción para Bronco Records, identificada como “Raphy Leavitt-Orquesta La Selecta” (Bronco-146), La Selecta volvió a ocupar los “hit parades” con los éxitos “Amiga de Qué” (Luis Marrero) en la voz de Sammy Marrero, “Hombre Celoso” (Peter Velázquez) en la voz de Carlos Ramírez y “Calla Corazón” (Luis Marrero) y “Noche de Boda” (Braulio García) en la voz del novel Osvaldo Díaz, talentoso cantante de voz romántica y melodiosa, a quien Raphy dio a conocer en este álbum.Raphy Leavitt comenzó la década de los 90 estableciendo su propio sello disquero, R.L. Records, con la producción titulada “Provócame” (RL-9001) en 1990.Durante los años ochenta los temas eróticos se habían popularizado en la “salsa” y muchas veces su contenido sexual explícito llegó al extremo de herir la sensibilidad de la audiencia. Consciente del daño sicológico que la difusión indiscriminada de estos temas en los medios ocasiona en las mentes tiernas e indefensas de los niños (incluyendo a sus dos hijos), Raphy se propuso demostrar que las canciones de contenido sensual pueden ser exitosas sin tener que recurrir a la vulgaridad o a la pornografía para lograrlo. ¡Y así quedó demostrado!Como consecuencia del éxito de las composiciones “Provócame” (Pedro Arroyo), “Fuego y Escarcha” (Luis Marrero) y “Pidiendo Más Amor” (Peter Velázquez), La Selecta mantuvo su sitial de preferencia en Puerto Rico, Estados Unidos y Centro y Sur América. Asímismo, logró entrar con fuerza en el mercado de España tras una campaña agresiva de promoción y distribución realizada por Discos Manzana.En 1991, La Selecta debutó en España presentándose en el Palacio de los Deportes de Madrid con motivo de celebrarse el Tercer Concierto Coronas Rubio, en el Estadio de Fútbol de Isla Palmas (Gran Canaria) y en la Plaza de Toros de Tenerife ante miles de fanáticos del género en cada presentación.El éxito de “Provócame” en España fue tal que el sello disquero BMG-Ariola, división de España, incluyó esta composición en la compilación “Super Exitos del 90”.Al cumplirse el vigésimo aniversario de la orquesta, en 1992 Raphy Leavitt produjo para su sello disquero, RL Records, su décimosexta grabación titulada “20 Años Después” (FRAMA-1014), cediendo los derechos exclusivos para los mercados de Puerto Rico y Estados Unidos continentales al sello disquero puertorriqueño Frama Productions, reteniendo para sí todos los derechos para los mercados internacionales.“Si un Amor se Va” (Raphy Leavitt), “Me Voy a Declarar” (Morist Jiménez Marín) y “Estamos Atados” (Carlos Ramos) fueron los éxitos más sobresalientes de esta producción, en adición a “El Comienzo” (Raphy Leavitt), una re-grabación a la manera de “medley” de las composiciones “Payaso”, “Jíbaro Soy” y “La Cuna Blanca”, en la cual participó el destacado cuatrista puertorriqueño Eligio (Prodigio) Claudio Díaz.En 1993, La Selecta regresó al continente europeo en jira artistica por las ciudades de Zurich (Suiza), Frankfurt y Nurnberg (Alemania), Milano (Italia) y París (Francia). Todos quedaron sorprendidos con la asistencia masiva a cada uno de los eventos. Sin lugar a dudas, la música de La Selecta había superado las barreras del idioma. Más aún, la insistencia de la prensa, radio y televisión en realizar entrevistas era indicativo de un deseo genuino por conocer a profundidad el historial de la orquesta.Varios artistas de fama internacional han interpretado varias de las composiciones de Raphy Leavitt en grabaciones y /o en espectáculos masivos, a saber: Daniel Santos-“Payaso” y “Jíbaro Soy”, Joe Quijano-“Payaso”, Gilberto Santarrosa-“Payaso” y “Jíbaro Soy”, Manny Manuel-“Payaso”, “Prodigio” Claudio-“La Cuna Blanca” (instrumental), Kevin Ceballo-“Jíbaro Soy” y, reciéntemente, Marc Anthony-“Jíbaro Soy”.

CANTANTES :
SAMMY MARRERO
Samuel Marrero González, mejor conocido por Sammy Marrero, nació en el barrio El Cerro del municipio de Coamo, Puerto Rico el día 16 de febrero de 1942. Cuando apenas tenía dos años y medio, sus padres trasladaron su familia al barrio Pájaros Puertorriqueños (El Cinco) en la ciudad de Bayamón, Puerto Rico y allí establecieron su residencia. Es casado y padre de cinco hijos, 4 hembras y un varón.Desde muy temprano en su niñez, Sammy se crió escuchando la música típica puertorriqueña, y así, cuando acompañaba a su madre a lavar la ropa al río, aprendía de ella las coplas y aguinaldos que luego interpretaba en los cánticos conocidos como “promesas”.Siendo tan sólo un niño, ganó el primer lugar en un programa de aficionados en el Teatro Carmen de Bayamón, Puerto Rico y también participó junto a don Jesús Sánchez (Chuito, el de Bayamón) y el Trio Cialeño en el programa radial “La Hora del Volante”.Más adelante, perteneció al Trio Los Tempest, al Conjunto Los Muchos de don Jesús “Chu” Fontañez y a la agrupación de Andrés, Aníbal y Coco.Fué cantante de la agrupación musical del jóven y talentoso pianista Fernando Ojeda en la cual compartió con Julito Castro, fundador de la Orquesta La Masacre. Al morir Fernando, ayudó a organizar, junto a Luisito Maísonet, la orquesta de Osvaldo Valentín, hermano del famoso bajista puertorriqueño.Hasta esta etapa en su trajectoria musical, Sammy no había participado en grabaciones musicales a nivel comercial.Fue un jueves en el mes de septiembre de 1970 que, mientras convalescía de una pulmonía severa, recibió en su residencia en Bayamón la visita de un jóven que venía ensayando por seis meses una orquesta nueva para la cual aún no había conseguido cantante. Presentados por el trombonista Richard López, Raphy Leavitt conversó con Sammy desde la puerta de entrada de la residencia ya que, debido a su condición, éste permanecía resguardándose del viento tras la puerta de su dormitorio. Tan pronto Sammy recuperó su salud, Raphy compartió con él las aspiraciones y metas que se proponía alcanzar y le entregó copia de sus composiciones para luego probar su voz en un ensayo.Y llegó la hora de la verdad. Raphy no había escuchado la voz de Sammy. Los muchachos de La Selecta ni siquiera conocían las letras de aquellos arreglos musicales que estuvieron ensayando por meses. Sammy no se imaginaba que iba a escuchar una orquesta con un estilo y sonido totalmente diferente. Y para sorpresa de todos, en la Calle San Juan Bautista se había conglomerado una multitud de residentes del barrio que escuchaban entusiasmados.Sammy siempre ha sido un hombre sencillo, de familia humilde, con un sentido de responsabilidad y lealtad intachables. Por treinta años consecutivos, ha sido la voz que identifica a la Orquesta La Selecta, pues ha sabido proyectar con empeño y dedicación los mensajes que Raphy ha querido sembrar en el alma del pueblo. Es precisamente por esa compenetración única que existe entre ambos que se les conoce como la “quiniela perfecta”...compositor e intérpetre unidos por una misma motivación: crear música de calidad, enfatizando primordialmente en el contenido de las canciones que interpretan.
CARLOS RAMIREZ
Carlos Rubén Ramírez Cintrón nació el 29 de noviembre de 1958 en la “Ciudad del Chicharrón”, Bayamón, municipio de Puerto Rico. El mayor de seis hermanos, es padre de cuatro hijos, tres hembras y un varón. Desde muy temprano en su infancia, estuvo bajo la custodia de su abuela materna pues su madre tenía que laborar para ganar el sustento de la familia.Recibió su educación elemental en la Escuela John Marshall y la intermedia en la Escuela Luis Muñoz Rivera, ambas en su pueblo natal. Obtuvo el grado de educación superior (secundaria) a través del programa de “Exámenes Libres” del Departamento de Educación de Puerto Rico.Desde niño, Carlos demostró su inquietud por el canto y la música. Acompañaba a su abuela a la iglesia todos los domingos y sentía un orgullo profundo de pertenecer al coro de la misma. Durante sus años de estudiante gozaba de popularidad entre sus compañeros, pues toda conversación con ellos la hacía en forma cantada. Siempre fue un “invitado especial” a los “bailes de marquesina”, fiestas bailables que los adolescentes de la época acostumbraban celebrar en sus residencias. ¡Y es que Carlos llegaba, y la rumba comenzaba!Tuvo sus primeras experiencias como cantante professional a los dieciseis años en la Orquesta Karas de Egui Díaz y a los diecinueve en la Orquesta Karimbó de Junior Rodríguez. Luego se integró a la orquesta del reconocido “sonero del pueblo”, Marvin Santiago, en la cual se desempeñó como voz líder en los coros y como bolerista.En el mes de mayo de 1980, con motivo de celebrarse las Fiestas Patronales de Bayamón, Carlos asistió a disfrutar del espectáculo de una de sus orquestas favoritas...La Selecta. En varias ocasiones sintió un deseo genuino de incorporarse a la orquesta para cantar en tarima, mas no pudo sobreponerse a su timidez y desistió.¡Mas la suerte no lo había abandonado! En los días subsiguientes a la presentación, Sammy Marrero fue a visitar a un familiar en el Residencial Virgilio Dávila, un complejo de apartamentos donde Carlos también vivía. En esta ocasión, Carlos pudo conversar personalmente con Sammy y felicitarlo por la actuación de La Selecta en días anteriores. Para sorpresa suya, se enteró que Raphy Leavitt estaba próximo a llevar a cabo unas audiciones para reclutar un cantante adicional en la orquesta. Consciente de que ésta era la oportunidad de ver realizados sus sueños y aspiraciones de cantar en una orquesta de renombre internacional, Carlos no titubeó en solicitarle a Sammy que se le diera la oportunidad de poder demostrar sus habilidades como cantante-sonero. Así lo hizo y de inmediato comenzó en La Selecta dándose a conocer con los temas “Cuando el Río Suena”, “Bella Flor”, “Esos que se Van” (Raphy Leavitt) y “Declaración Musical” (Johnny Ortiz) en la producción “Diez Años Sembrando Semillas en el Alma del Pueblo” (TH-AM-2178).Por veintiún años consecutivos, Carlos se ha ganado el cariño y la admiración de una fanaticada salsera que ha sabido reconocer sus aportaciones al éxito de la Orquesta La Selecta. Con su estilo pícaro y zalamero en el soneo ha conquistado a las féminas, mas con su fraseo rítmico y jocoso ha logrado confeccionar su propia receta para darle sazón y sabor a nuestra “salsa”.
TEMAS :

Café Colao(Autor: Raphy Leavitt)(Canta:Sammy Marrero)Y vuelve la vieja molienda.Mujer... de la piel morena...dame un trago de café.Aquí... te traigo mi crema...pa' que tomes tu también.Hierve lentamente en la casuela,bajo el fuego intenso del fogón.Brota el aroma... es café colao.Coro: Café colao, café colao.Yo lo tiro en la casuela,bajo el fuego endemoniao.Ven ven y mezcla de mi cremay verás que esto es melao.Eh... en este ambiente está cargao.

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El Buen Pastor(Autor: Raphy Leavitt)(Canta: Sammy Marrero)Allá muy alto en el cielose oye un sollozo de amor,lágrimas caen tras el velomientras se eleva oración.El Buen Pastor...Padre mío, tus hijos te han olvidado.Padre mío, como se burlan de tus mandatos,ni con mi muerte puede enseñarlesla que es tu ley.Como mi madre, no existe alguna,mas quedan unas que si merecen que tu les dé,la fortaleza, para esas luchas,que con sus hijos día tras día debe ejercer.Ellos se matan, ellos se robanya ni respetan la que es esposa del amigo fiel,malditos vicios, que los ahogan,se han vuelto roca, ¿por qué? ¿por qué?Coro: Decía el buen pastor, al que me siga nada le faltará.Pero que esclavos viven del vicio,esclavos son de la maldad.Madres que hijos teneis,cuiden de ellos que vencereis.Porque yo soy el camino,porque yo soy la verdad, decía.Pero que ¿a dónde llegaremos,si esto sigue como vá?A muchos llamas tu padre mío,pero muy pocos te escucharan.Esfuerzo inutil de este tu hijo,que tu rebaño quiso salvar.Se ven a diario falsos profetas,que el mundo cubren con tempestad.Todo en su mente se ha vuelto roca,pronto se extingue la humanidad.

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Nosotros Dos(Autor: Paquito Fonfrías )(Canta: Sammy Marrero)¿Por qué será?que recordamos con cariño nuestro amorsi ya hace tiempo que lo nuestro terminóy decidimos olvidar lo que pasó.¿Por qué será?que cada día me recuerdas más y másy hasta en mis sueños te presiento regresarpara adorarnos como antes mucho más.Nosotros dos...que derrumbamos las barreras del amorsin importarnos las edades de los dosy no hacer caso nunca nunca al que diran.Nosotros dos...que terminamos por desgracia al comenzary sin quererlo cometimos el errorde separarnos a pesar de nuestro amor.Nosotros dos...nos añoramos cada día más y másy si el destino es que volvamos a empezarregresa a mí regresa a mí regresa ya.Coro:Regresa que sin ti ya yo no puedo estar.Cometimos el error de separarnosa pesar de nuestro amor.No perdemos con tratar y tratarde volver a comenzar.Si estamos los dos arrepentidosy ansiosos de amar, amar, amar.~Tu eres todo, tu eres todo para míeres mi felicidad.Si separanos fue nuestro fracasotratemoslo una vez.Y es que me siento tan solosolo y sediento de amar.~Ay, ay amor, tu me haces falta.

GRAN CONCIERTO EN CALI DE LA ORQUESTA ZODIAC ( arribo de la Zodiac a Cali el día 17 de agosto, con salida de gala el día 19 en el Teatro Jorge Isaac, presentación bailable en el Salón Internacional de Las Vallas, y una sorpresa para todo el pueblo caleño al día siguiente !!!!

CHIVATO (SON MONTUNO)

YO CONOZCO UN MULATO

QUE TIENE LA LENGUA LARGA

EL SIEMPRE SE PASA HABLANDO

Y CHOTEANDO A LOS DEMAS

UN DIA ESE CHIVATO

A NADIE MAS, VA A CHOTEAR

PUES UNA PELA BIEN GRANDE

UN DIA LE VOY A DAR

Y CREO QUE POR LA PESTE

ENSEGUIDA LO ENCONTRARAN

CORO:

SIGUEME CHIVATIANDO

QUE ALGUN DIA TE HABRAN DE ENCONTRAR

CON LA BOCA LLENA DE HORMIGAS Y CON

LA PATA ESTIRA...

EL TIPO ES PURA CANDELA

EL VENDE HASTA SU MAMA

EL VENDE EL ALMA AL DIABLO, TAN

SOLO SOLO POR CHIVATIAR !! CHIVATO !!

REPETIR CORO......

LOS CHICOS EN EL TRABAJO

NO, NO, QUIEREN HALAR CON EL

TODOS LE SACAN EL CUERPO

PUES DICEN QUE ES LUCIFER, CHIVATO !

REPETIR CORO.............

EN LA PLAYA LO TIRARE

ALLI MISMO LO DEJARE

QUE SE LO COMAN LOS TIBURONES

LA LENGUA Y TAMBIEN LOS PIES.

La orquesta Zodiac celebra sus 30 años de vida artística y acaban de lanzar al mercado su trabajo musical "Historia en vivo". Está orquesta puertorriqueña, que mantiene una excelente aceptación dentro del público de habla hispana de Estados Unidos y aquí en Puerto Rico, mantiene un cartel de primera línea. Son grandes vendedores de discos y una garantía en la taquilla en cuanto a presentaciones personales. Durante estas tres décadas, la orquesta Zodiac ha deleitado con su música varias generaciones y todavía tiene música para rato. Uno de los más grandes éxitos de la Zodiac lo es "Panteón de amor" con el cual obtuvo su primer disco de oro. La Zodiac ha recibido infinidad de premios, preseas y discos de oro y platino, además de haberse presentado en importantes programas de televisión. En "Historia en Vivo" con la orquesta Zodiac, grabado en disco y DVD, se incluyeron temas impactantes como: "Panteón de smor", "Sinceridad", "Tremendo problema", "El adiós", "Llámame", "El Negro Zambú", "América Latina" y "Belleza espiritual", entre otros excelentes temas. Para los amantes de la salsa, esta producción muestra que la Zodiac es, indiscutiblemente, una de las agrupaciones favoritas del bailador. Una vez más esta oorquesta, con su cantante original y actual director Paquito Pérez, demuestra ser uno de los grandes pioneros del género de la salsa gorda, pioneros que iniciaron su carrera para quedarse por siempre en el gusto del público. "Historia en Vivo" es distribuido por Borinquen Records
EL VIDEO TIENE UNA MUY BUENA IMAGEN Y SONIDO. ESTE FUE GRABADO EN EL SALON DE MUSICA DE LA ESCUELA DE LA COMUNIDAD MEDIANA BAJA INTERMEDIA DE LOAIZA Y TAMBIEN TIENE APARTES EN VIVO EN EL FESTIVAL DE LA EMISORA WMDD. LOS ARREGLOS ORIGINALES DE LA ZODIAC, SON DE JOSE LUIS VIZCARRONDO, PERO HOY EN DIA LOS ARREGLOS MUSICALES HAN SIDO MODIFICADOS Y ACTUALIZADOS CON TROMBONES Y TROMPETAS POR EL ACTUAL DIRECTOR PAQUITO PEREZ (VOCALISTA) QUIEN ES ARREGLISTA Y MAESTRO DE ESCUELA. LOS MUSICOS INCLUIDOS EN DVD Y EN LA BANDA POR SUPUESTO SON :
Abel Cruz BajoCarlos Aviles CongaCarlos Fuentes TrompetaCesar Canales TrompetaCharlie Medina CoroFrancisco "Cuto" Pérez TimbalGabriel De Jesús CoroGeorge Cepeda PianoJohn Davila TrombonMike Amador TrompetaOsvaldo Osorio TrombonPaquito Perez Cantante, directorTony Ecobar Declamador y coroVictor Perez Trombon y director musicalVictor Rivera Bongo

PIJUAN

PIJUAN

Pianista y Director Musical
Fecha de nacimiento: 4 de noviembre
Lugar: Trujillo Alto, Puerto Rico


Su afición por la música comenzó a fraguarse durante su niñez. Posteriormente formó parte de un pequeño grupo musical que se dedicó a entretener las veladas estudiantiles de la Escuela Superior República de Colombia.
Al ingresar a la Universidad de Puerto Rico, a pesar de que su familia lo estimuló para que estudiase leyes, Pijuán estudió pedagogía de la historia con una subconcentración en música. Durante su vida como universitario fue el pianista de la banda del centro docente por dos años.
Luego de completar sus estudios se dedicó a tocar en varias festividades. En una de ellas, el hijo y director de la orquesta de don Rafael Muñoz escuchó sus ejecutorias en el teclado. Convencido por su talento le extendió una invitación para que formara parte de una orquesta que tocaba en uno de los hoteles más prestigiosos del País, de acuerdo con la información que se registra en el libro “Nueva Ola Portoricensis”. En la reconocida hospedería trabajó dos años.
Mientras trabajaba como músico en el aludido hotel, conoció al compositor Paquito López Vidal, autor de la canción “Espérame en el cielo”. El también artista lo reclutó para que formara parte de su orquesta que por aquel entonces se estaba presentando en el Fiesta Room del Hotel Condado Beach. Bajo la dirección de López Vidal, Pijuán laboró también por dos años.
Poco después, estimulado por la idea de crear su propio grupo, le propuso al dueño de La Barraca que le permita tocar en su lugar. En vista de que al negocio no le iba muy bien el propietario accedió y así Pijuán fundó en 1964 su popular sexteto. En La Barraca permaneció un año.
A partir de entonces su carrera comenzó a despuntar exitosamente lo que le permitió dedicarse a viajar a lugares como Aruba, Curazao, Washington y Nueva York. Luego regresó a Puerto Rico contratado por el Hotel Condado Beach donde trabajó cuatro años consecutivos.
Durante su carrera grabó cinco álbumes para casas disqueras como Kubaney, Phillips Borinquen y Hit Parade. También fue representado por Empresas Paquito Cordero y en los Estados Unidos por la APA.
Su probado talento le permitió acompañar a figuras como Johnny Mathis y a Tony Bennet, entre otros.
Los miembros que componían su agrupación fueron Joe Canoura quien tocaba la flauta y el saxofón alto y tenor, Pepito Maldonado el guitarrista, Paquito Alvarez el cantante y percusionista, Reinaldo Santiago quien tocaba los timbales y tambores. Dirigiendo el conjunto estaba Pijuán en el piano, cantante y además tocaba el órgano. Otro de los cantantes lo fue Johnny González.
El músico puertorriqueño también se desempeñó como arreglista de su grupo, además de crear algunas de las letras que se incluyeron en sus producciones discográficas. Una de ellas fue “Temas de amor” último disco que salió al mercado en 1983.
Para la televisión laboró en el programa “Sábado a las 12” que se transmitió a través del Canal 2. Igualmente se dio a conocer en el recordado “El Show de Coca Cola”.
Varios de las canciones que el sexteto popularizó fueron “La maestrana”, “A bañar el caballo”, “Macondo”, “Qué será de mi doña” y “Arráncame la vida”. En épocas navideñas popularizó “La superestrella Melón”, mosaico humorístico de temas publicitarios. Mas una de sus grandes aportaciones al pentagrama lo fue la grabación de “Lo que yo quiero ser”, composición de Rafi Escudero que reafirmó la importancia de la danza en el cancionero popular.
Enrique Feliciano Díaz



Esta biografía forma parte de los archivos de la Fundación Nacional para la Cultura Popular. En nuestro interés por difundir el conocimiento sobre nuestras grandes figuras, la misma puede ser citada como base de investigación de estudios o como asignación de fines pedagógicos, siempre y cuando se le dé crédito a la Fundación y a su autor, si el mismo ha sido indicado. Todos los derechos están reservados. No se autoriza la reproducción de la misma en medio impreso, técnico o de difusión masiva alguno, con o sin fines comerciales, sin la previa solicitud por escrito a la Fundación y su consecuente aprobación.

MARVIN SANTIAGO
Cantante y Sonero
Fecha de nacimiento: 26 de diciembre de 1947
Lugar: Santurce, Puerto Rico
Falleció el 6 de octubre de 2004

Su presencia dentro del ámbito de la música tropical dejó una huella imborrable a través de su larga carrera artística. En ellos el llamado “Sonero del pueblo” supo sobreponerse a las adversidades y labrarse un nombre a fuerza de talento y buen soneo.
Marvin Santiago nació en Santurce y creció entre las paradas 22 y 24 del sector capitalino. Posteriormente se mudó al residencial público Nemesio Canales donde residió por 24 años.
Sus primeros pasos en la música los dio a los cinco años, cantando rancheras en las actividades que se celebraban en su plantel escolar. Posteriormente trabajó en la cafetería del desaparecido periódico El Mundo. Allí, sus tareas diurnas eran alternadas con su trabajo nocturno con la orquesta de Roberto Valdés.
Poco después el conguero boricua Celso Clemente, quien ya conocía del talento de Marvin, lo recomendó al compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso. Este le mencionó su nombre a Rafael Cortijo y así se hicieron los arreglos para que el joven participara en una audición.
En aquellos días Cortijo y su Combo se encontraban sin cantante principal. Ismael Rivera se había ido para Nueva York y Azuquita también había abandonado el grupo. Por tal razón el Maestro estaba en búsqueda de un nuevo vocalista.

Marvin le cantó el tema “El dominó” en una audición. Y al recibir la aprobación de Cortijo, Marvin pasó a ser parte del Combo en 1969 grabando con ellos su primer disco. Para poder trabajar en el mismo se aprendió las canciones en tan solo tres semanas. Y luego partió con el grupo hacia Santo Domingo y Nueva York en donde realizaron varios espectáculos.
Precisamente en una de esas giras por los Estados Unidos Marvin decidió permanecer en la ciudad de Chicago por otros tres años. Ya en una fecha posterior regresó a Puerto Rico en donde estuvo inactivo por un tiempo hasta que Roberto Angleró le brindó la oportunidad de trabajar en varios proyectos, incluyendo el grabar un disco bajo la casa disquera Gema.
Durante la década de 1970 Bobby Valentín lo reclutó como cantante de su orquesta con la cual trabajó por ocho años. Bajo el ala de Valentín, Marvin vivió grandes momentos en el arte al popularizar temas como “Papel de payaso”, “Soy boricua”, “El alacrán”, “Pirata de la mar”, “Aquí me quedo”, “Guaraguao”, “Bella mujer”, “Zafa diablo” y “Préstame tu caballo”. Igualmente su voz se difundió ampliamente al compás de “Pirata de la amar”, “Son, son Chararí” y “El jíbaro y la naturaleza”.
Sin embargo durante esos años el cantante había establecido una profunda adicción a las sustancias controladas. Esta situación provocó la separación entre Valentín y Santiago. Fue entonces cuando en 1979 entró en escena Jorge Millet quien le dio la mano en el momento que más lo necesitaba. Juntos grabaron el tema “La jicotea”, composición de Santiago que rápidamente se convirtió en un éxito.
No obstante, su carrera se vio interrumpida en 1980, fecha en la que tuvo un traspié con la justicia que lo llevó a ingresar a la cárcel. A pesar del lamentable incidente, las autoridades en la institución penitenciaria le permitieron salir de la misma para cumplir con sus actividades artísticas.
Una de ellas se celebró el 15 de junio de 1985 al presentarse en el Teatro Tapia de San Juan con su concierto “Desde adentro”. En el espectáculo el artista realizó una representación de su vida en la que intercaló éxitos musicales como “Fuego a la jicotea”, “La picúa”, “Pa' dentro”, “Nostalgia”, “La libertad”, “El auditorio azul”, “La guagüita”, “Lo que usted ve por ahí”, “Chinas por botellas” y “El hombre increíble”. La puesta en escena fue dirigida por Julio César Delgado. La escenografía la concibió Félix Vega y la producción del evento estuvo a cargo de Víctor Ramírez.
Por otro lado, a raíz de su desliz ante la ley, el cantante se reconcilió con la fe cristiana dentro de la institución. Esa decisión lo estimuló para ofrecer conferencias en lugares como la Universidad del Turabo y en escuelas superiores. Además, como parte de su programa de rehabilitación, dirigió el grupo Confinados en Acción y Prevención. Desde esa agrupación, junto a otros tres compañeros reclusos, se dedicó a ofrecer charlas sobre las experiencias del pasado, sus vidas en el presente y lo que esperaban para el futuro.
Luego de estar en prisión por espacio de cinco años, Marvin incursionó en el campo de la actuación gracias al productor Luisito Vigoreaux. En su nueva faceta Santiago formó parte del elenco de las producciones del empresario así como en la obra teatral titulada “El hospitalillo” que subió a escena en el Teatro Carmen Delia Dipiní de Bayamón.
A comienzos del año 2000, Marvin lanzó al mercado del disco “Los Soneros de Borinquen” proyecto que grabó con el grupo de música típica Mapeyé. Un año más tarde, fue homenajeado por su fanaticada y por Cano Estremera, Néstor Sánchez, Vitín Avilés, Meñique, Guillo Rivera y Luigi Texidor. Para ese entonces ya su pierna derecha había sido amputada debido a su condición diabética.

Enrique Feliciano Díaz

LUIS PERICO ORTIZ

Trompetista, Arreglista y Productor Fecha de nacimiento: 26 de diciembre de 1949 Lugar: Santurce, Puerto Rico
Su inclinación por la música nació a la temprana edad de cinco años en el Puerto Rico de la década del 50. Dirigiendo sus metas hacia el perfeccionamiento en el arte, el adolescente Luis "Perico" Ortiz estudió en la Escuela Libre de Música, en el Conservatorio de Música (pasa a ser solista de la Sinfónica de Puerto Rico bajo la dirección del maestro Pablo Casals) y en la Universidad de Puerto Rico.
Su carrera profesional dio inicio en 1970 cuando en Nueva York trabajó como trompetista, arreglista, compositor y productor para figuras de la talla de Tito Puente, Machito, Mongo Santamaría, Tito Rodríguez, Fania All Stars, Johnny Pacheco, el legendario David Bowie y las compañías Velvet de Venezuela y TH Rodven.
En 1977 realizó su primera grabación como solista bajo el sello Turnstyle, compañía subsidiaria de Latin Percussion Corp. Un año más tarde estableció su propia orquesta y ganó el premio "Diplo" como mejor trompetista en Puerto Rico. En Nueva York, por otra parte, fue merecedor de los premios "Trompetista del Año, "Arreglista del Año", "Mejor Orquesta" y "Músico del Año" durante la entrega de los Latin New York Magazine Awards.
Afianzado en el ambiente musical del Norte, el músico nacido en 1949 en Santurce, Puerto Rico, estableció numerosas compañías musicales como fueron Sunrise Productions, Perico Records, Dialen Promotions Inc. y Dialen Recording Studios. Igualmente, con la empresa Dialen Publisher, fundó una casa editorial con licencia en EE.UU., Europa y Japón.
Manteniendo control absoluto de sus producciones discográficas, la orquesta de Luis Perico Ortiz fue taller para decenas de músicos latinos en la Gran Urbe. De la misma manera grandes cantantes despuntaron desde ella como fueron los casos de Rafael de Jesús, Roberto Lugo y el sonero Domingo Quiñones.
En 1981 fue reconocido por la Asociación de Cronistas de Espectáculos (ACE) como mejor exponente de la música latina, honor que compartió con Julio Iglesias. En el año siguiente volvió a recibir otro reconocimiento de la ACE como Mejor Orquesta de Nueva York.
En el verano de 1987 escribió y dirigió la banda sonora de la película "Mondo Nueva York" en colaboración con el maestro Johnny Pacheco.
Durante el año 1988 produjo y dirigió musicalmente al cantante norteamericano Barry Manilow, en el proyecto discográfico titulado "Hey Mambo". Ese mismo año abrió su propia compañía puertorriqueña que ofrece servicios múltiples en el área de producción y grabación con sus propios estudios de grabación Análogo/Midi.
Luis también trabajó en el área de la publicidad produciendo, componiendo y arreglando cuñas musicales para anuncios de radio y televisión. En este aspecto hizo producciones para las firmas comerciales Heublein Spirit Group (Smirnoff Account), Castor Advertising (Mc Donalds), Uniworld Advertising (Kodak), Max Mambrú Films, Blaze Productions, John Casablancas/Elite Modeling (Film Scoring & Music Composition/72 minutos), Polaroid, HBO, Canal 47 (campaña televisiva "Contigo Siempre"), entre otras.
En 1993 se radicó en Puerto Rico donde estableció su nueva compañía, Luis Perico Ortiz Productions, Inc. Con ella inicia relaciones profesionales de producción con las compañías Disney, Buena Vista Televisión, There Goes The Neighborhood y Quincy Jones Office.
Para Disney Corporation produce parte de la música del especial televisivo "Navidad en las Américas". Para la oficina de Quincy Jones produce segmentos para el histórico evento de "Cumbre de las Américas" para 34 presidentes y dignatarios del hemisferio. Ambos proyectos fueron televisados a cientos de países simultáneamente.
En 1995 realizó una gira artística por Colombia para promover el proyecto del sello RMM, "La combinación perfecta". Presentándose en cuatro conciertos, más de 250,000 personas le aplaudieron.
Posteriormente abrió con su grupo de jazz latino el "Puerto Rico Heineken Jazz Fest '95" y presentó conferencias, talleres y conciertos de jazz latino en Aruba durante su Carnaval.
En febrero de 1996 viajó a Europa para presentarse en concierto. Un mes más tarde llegó a Venezuela para actuar en dos conciertos en el Poliedro. Produjo una nueva grabación para el sello RMM, titulada "Café con leche y dos de azúcar", e inauguró su nueva orquesta el Día Nacional de la Salsa, el10 de marzo de1996 frente a una audiencia de más de 25,000 personas amantes de la salsa.
En 1997 produjo para un sello discográfico japonés "Sweet Basil"; proyecto que presenta a Yoshihito Fukumoto, ex-integrante de la famosa orquesta japonesa La Luz, en una grabación con ingredientes del latin jazz, R&B, salsa, rap, balada pop y ritmos brasileros.
Igualmente produce para el sello Toshiba-EMI Limited de Japón el compacto "Bésame mucho" y para Sony de Puerto Rico "El cuarto Rey Mago", proyecto navideño del cantautor José Nogueras para la multinacional.
En 1998 se presenta en Bellas Artes como artista invitado de Lucecita Benítez. De la misma manera produce al maestro Tommy Olivencia para el sello Polygram y se presenta junto a su gran amigo, el sonero Domingo Quiñones, en una serie de conciertos en Bellas Artes.
Al acercarse el fin de siglo lanza al mercado un compacto instrumental con temas de bolero, cha-cha-chá, jazz/pop y salsa, titulado "Emociones". El mismo incluye sus versiones de clásicos como "Perfume de gardenia", "Usted", "Sin fe", "Tu pañuelo", "Silencio" y el himno cristiano "Cuán grande es él".
Con este lanzamiento, Perico completa una discografía que incluye una veintena de títulos entre los que se encuentran "My Own Image", "Super Salsa", "One Of a Kind", "El astro", "Sabroso", "Sabor tropical", "El isleño", "Entre amigos", "La vida en broma", "In Tradition, "Breaking The Rules, "Vuelvo otra vez", "At Valley Cottage", "Acaban con tó", "The Man, His Trumpet and His Music..Are Back", "La combinación perfecta", "Café con leche y dos de azúcar" y "Luis Perico Ortiz - Éxitos Volumen I".

LALO RODRIGUEZ


Cantante Fecha de nacimiento: 16 de mayo de 1958
Su afición por la música se inició cuando tenía nueve años de edad al cantar en las tradicionales fiestas patronales de Puerto Rico, y en radio y televisión. Su etapa profesional, al grabar por primera vez, comienza siete años más tarde.
La anécdota que implica esta transición es inolvidable, según su testimonio: "Desde los 12 hasta los 15 años y medio, más o menos, yo cantaba con un grupo de salsa que se llamaba Tempo Moderno. En 1973 compartimos tarima con la orquesta de Eddie Palmieri. Me atreví a hablar con el maestro y le pedí que me escuchara cantar "Sabroso guaguancó", un número que él había grabado en los años 60. Me escuchó y se fue. Pasaron unos seis meses y Palmieri regresó a Puerto Rico a buscarme. Nos pusimos de acuerdo. Hicimos una nueva audición y ahí nació Lalo Rodríguez, quien para ese entonces se llamaba Lolo. Mi nombre es Ubaldo. Fue Palmieri, al admitirme en su orquesta, que me bautiza como Lalo".
Su primera grabación de un disco de larga duración se dio a los 16 años con la orquesta de Eddie Palmieri. El mismo se tituló "The Sun of The Latin Music" y le mereció su primer Grammy.
En 1980 Lalo Rodríguez decidió lazarse al campo de la música popular como solista. "Simplemente Lalo", fue su primer disco de larga duración. Luego, en 1982 produjo su álbum "Nuevamente Lalo" y continuó su carrera de éxitos con "Niño, el hombre que es soñador es loco", en 1985 un tema filosófico que más tarde lo impulsó a grabar su L.P. "Punto y coma".
No es sino hasta 1988 que Lalo Rodríguez realiza su próxima producción discográfica "Un nuevo despertar", álbum que marcó el regreso de Lalo al mundo artístico luego de cuatro años sin grabar. Su sencillo "Ven, devórame otra vez", se convirtió en su mayor éxito logrando alcanzar primeros lugares en Panamá, Perú, Colombia, Venezuela y España. En este último recibió un disco de platino y uno de Oro por lograr vender más de 200 mil copias de dicho éxito musical.
En el caso específico de Puerto Rico, Lalo consiguió que "Un nuevo despertar" se destacara como el disco de mayor venta en el país durante 1988, obteniendo un Disco de Oro. En el 1989, obtuvo tres importantes premios otorgados por la prestigiosa revista "Billboard": Cantante del Año en música tropical, Canción del Año "Ven, devórame otra vez", y Mejor Producción Discográfica del Año por su L.P. "Un nuevo despertar".
Apenas comenzando el 1990 Lalo ofreció en España galas, en La Coruña, Vigo, Bilbao y Madrid llenando a capacidad las más populares plazas y discotecas. Cabe mencionar que durante una de dichas presentaciones se encontraba entre su público el afamado Quincy Jones.
Su discografía en la década del 90 incluye títulos como "Sexacional" y "Nací para cantar", bajo discográficas como TH Rodven y EMI Latin. En España se convirtió en el primer salsero en ganar Discos de Oro y Platino por la venta de más de 100 mil unidades vendidas en la Península Ibérica.



Estas biografías forman parte de los archivos de la Fundación Nacional para la Cultura Popular. En nuestro interés por difundir el conocimiento sobre nuestras grandes figuras, las mismas pueden ser citadas como base de investigación de estudios o como asignación de fines pedagógicos, siempre y cuando se le dé crédito a la Fundación y a su autor, si el mismo ha sido indicado. Todos los derechos están reservados. No se autoriza la reproducción de las mismas en medio impreso, técnico o de difusión masiva alguno, con o sin fines comerciales, sin la previa solicitud por escrito a la Fundación y su consecuente aprobación.

DANIEL SANTOS


Cantante Fecha de nacimiento: 5 de febrero de 1916 Lugar: Santurce, Puerto Rico Falleció el 27 de noviembre de 1992
Uno de los más enigmáticos personajes de la música popular latinoamericana, Daniel Santos, "El Inquieto Anacobero", nació en Santurce bajo el signo de Acuario, el 5 de febrero de 1916. Hijo de Don Rosendo de los Santos, carpintero, y María Betancur, costurera, el niño Daniel pasó su infancia en un barrio de Santurce ubicado tras los antiguos talleres del ferrocarril, conocido precisamente como Trastalleres. Allí vivió sus primeros años en unión de sus tres hermanas Sara, Rosalilia y Lucy. A los cinco años aprendió el abecedario con la maestra del barrio conocida como Doña Ana, y a los siete inició su educación formal en la escuela pública de Las Palmitas, en la Calle Aguacate.
Al concluir su tercer grado fue promovido a cuarto en la Escuela Rafael Cordero, en la Parada 15 de Santurce, pero no pudo matricularse porque la situación económica en su hogar era desesperante. A esa edad debió trabajar y su padre le hizo una caja de brillar zapatos, para ayudar con la carga de la familia. Pronto la familia se marchó a la ciudad de los rascacielos, donde Daniel tuvo que volver a primer grado ya que no sabía hablar inglés. Trabajó fuerte en el inglés y logró completar su segundo año de escuela superior, donde ya cantaba en el coro.
A los 14 años abandonó el hogar debido a lo poco que ganaba su padre, se mudó a un cuartito por tres dólares semanales e inició su vida de Inquieto Anacobero. Un día, mientras se bañaba, comenzó a cantar las únicas dos canciones que sabía de memoria: una guaracha de Rafael Hernández y "Te quiero dijiste", de María Grever. Estaba en lo más profundo de su inspiración cuando sintió que le tocaban a la puerta. Era uno de los integrantes del Trío Lírico, un conjunto musical que se dedicaba a amenizar bailes, bautizos y otras actividades.
Terminó de bañarse y se reunió con el resto de los integrantes, quienes lo invitaron a participar en una actividad varios días después. Así se hizo profesional y cobró un dólar por interpretar las melodías varias veces. Luego le aumentaron a un peso y medio para cantar los sábados en el Borinquen Social Club de Nueva York. Pasó un tiempo alternando con el Trío Lírico y el Conjunto Yumurí, hasta 1938, cuando tuvo un encuentro histórico con el insigne compositor Don Pedro Flores.
Ese año estaba trabajando en un pequeño cabaret llamado Los Chilenos, donde cantaba los fines de semana, sábados y domingo, por diez dólares y todo el vino que pudiera tomarse. Luego comenzó a cantar en el Cuban Casino, un cabaret latino ubicado en la 46 y Octava Avenida. Allí tocaba la orquesta del Maestro Augusto Cohen, y alternaba el conjunto de un gago apodado Escalera, una artista española de nombre Consuelo Moreno, y una pareja de bailarines mexicanos. Daniel Santos cantaba con las dos orquestas, fungía de maestro de ceremonias, hacía el espectáculo, y cuando faltaba algún mozo, también lo sustituía. Todas esas labores las realizaba por $17.00 semanales.
Una noche llegó al cabaret el maestro don Pedro Flores y lo escuchó interpretar varias melodías, entre ellas su bolero "Amor perdido". Al concluir, el compositor lo invitó a la mesa que compartía con otras personas y le indicó que le había gustado mucho la forma de interpretar. Entonces le pidió que fuera a Manhattan y ensayara con su grupo el Cuarteto Flores. Tras muchos regaños, finalmente logró acoplarse al grupo y empezó a hacer dúo con Chencho Moraza.
Con el Cuarteto de Pedro Flores grabó muchas de las canciones que lo harían famoso, entre ellas, "Tú serás mía", "Irresistible", "Esperanza inútil", "Perdón", "Mayoral", "Venganza", "Amor", "Olga", "Yo no sé nada", "Hay que saber perder", "La número 100", "Bella mujer", "Margie", "Prisionero del mar", "El último adiós", Borracho no vale", "Bella mujer", "Guaracha amorosa", y muchas otras. En 1941, cuando se hicieron famosas las despedidas tras estallar la Segunda Guerra Mundial, Daniel grabó el disco más popular de Don Pedro Flores, "Despedida". Más tarde habría de grabar una canción que se escucharía en todas las velloneras del continente americano: "Linda". Al año siguiente sustituyó a Miguelito Valdés en la orquesta de Xavier Cugat y poco después debió abandonar el Hotel Waldorf Astoria para cumplir el servicio militar obligatorio con el ejército norteamericano.
Para esa época comienza a cobrar conciencia nacionalista y se identifica con el pensamiento del Maestro Don Pedro Albizu Campos, ideales que le trajeron problemas con el FBI y el Departamento de Estado norteamericano cada vez que viajaba. Más tarde, recordando las atrocidades de la guerra, grabó varios discos con canciones de protesta contra ese mismo ejército que utiliza las playas de su patria para ejercicios militares. Uno de ellos lo grabó con su amigo Pedro Ortiz Dávila "Davilita" titulado "Los patriotas", y otro inspirado en el libro del Poeta Nacional de Puerto Rico, Don Juan Antonio Corretjer "La lucha por la independencia de Puerto Rico".
Esa vida de Inquieto Anacobero que lo llevó a la cárcel en distintas ocasiones comenzó en Cuba a finales del1946, cuando Bobby Capó le presentó al Guajiro Amado Trinidad y éste lo contrató para trabajar durante ocho días en el programa "Bodas de Plata Portagás" en la RHC Cadena Azul de Radio, donde se presentaban los mejores artistas de la época. Allí siempre iniciaba su programa con la canción "Anacobero" del pianista puertorriqueño Andrés Tallada. El locutor Luis Villarder siempre lo presentaba: "Con ustedes Daniel Santos y el tema 'Anacobero". Un día Daniel sorprendió a la audiencia en el estudio al vestirse con traje de chuchero, de los que usaba Tin Tan, y entró al estudio bailando.
Cuando el locutor lo fue a anunciar se equivocó y dijo: "Con ustedes el Anacobero Daniel Santos". A partir de ese día se convirtió en "El Anacobero", que en lengua ñáñigo quiere decir diablillo. Lo de 'Inquieto' vino después a causa de la intensa vida de bohemio impenitente que habría de llevarlo a varias cárceles.
Estuvo viajando entre Cuba y Nueva York durante unos 15 años, hasta que escuchó decir que Fidel estaba recogiendo los niños para adiestrarlos en la milicia, y se marchó de Cuba sin boleto de regreso. Durante esos años le ocurrieron cosas que inspiraron muchas de sus 400 composiciones, entre ellas, "El columpio de la vida", "Patricia", "Amnistía", "El preso", "El que canta" y "Bello mar". Fue además el autor de la canción "Sierra Maestra", himno del Movimiento 26 de Julio, con la cual Fidel Castro iniciaba la transmisión de Radio Rebelde desde la Sierra Maestra.
Daniel empezó con la Sonora Matancera cuando Manolo Fernández lo contrató para trabajar en Radio Progreso, poco después de una crisis económica que lo hizo buscar refugio en las playas de Santa Fe. Antes había actuado en la Cadena Radial Suaritos, donde ganaba mil dólares al mes y alternaba con Toña la Negra y otros artistas de fama internacional. Luego de una corta temporada fue contratado para cantar en Radio Progreso acompañado de la Sonora Matancera, un binomio que habría de beneficiarlos mutuamente.
Al principio cada músico ganaba diez centavos y durante los primeros seis meses Daniel tuvo que pagarles de su propio sueldo. Ya después consiguió que le pagaran $25.00 a cada uno por grabar en los programas auspiciados por la Cerveza Hatuey. Pronto llegaron al tope de la fama internacional y empezaron a ganar grandes sumas de dinero. Con ellos interpretó los grandes éxitos de Pablo Cairo, Isolina Carrillo, Jesús Guerra y otros destacados compositores de la época.
Además de distinguirse como cantante y compositor, Daniel Santos se dio a conocer por la vida desordenada que siempre vivió, entre licores, mujeres y reyertas callejeras que lo hicieron cumplir tiempo en distintas cárceles de Latinoamérica, entre ellas en Cuba, Ecuador y República Dominicana. Sin embargo, muchos países del continente americano se lo disputaban, al extremo de llegar a confundir su verdadera nacionalidad.
Durante sus últimos años siguió presentándose en giras y conciertos en los Estados Unidos y Latinoamérica, donde llenaba los más prestigiosos salones para ver a su ídolo, la leyenda del bolero y la guaracha, y escuchar sus innumerables anécdotas y aventuras.
Su figura inspiró a varios escritores, entre ellos al colombiano Gabriel García Márquez, quien lo menciona en su obra "Relato de un náufrago" y en varios artículos y reportajes periodísticos. Su vida y época musical son el tema de la novela "Vengo a decirle adiós a los muchachos", del escritor puertorriqueño Josean Ramos; así como motivo del libro "La importancia de llamarse Daniel Santos", de Luis Rafael Sánchez, y "El Inquieto Anacobero", del Salvador Garmendia.
Daniel Santos tuvo doce hijos y vivió sus últimos años en Ocala, Florida, junto a su duodécima esposa, Ana Rivera, donde murió el 27 de noviembre de 1992, víctima de un ataque cardíaco. Sus restos reposan en el Cementerio Santa María Magdalena de Pazzis del Viejo San Juan, cerca del Maestro Don Pedro Albizu Campos y el compositor Don Pedro Flores.

Josean Ramos



Esta biografía forma parte de los archivos de la Fundación Nacional para la Cultura Popular. En nuestro interés por difundir el conocimiento sobre nuestras grandes figuras, la misma puede ser citada como base de investigación de estudios o como asignación de fines pedagógicos, siempre y cuando se le dé crédito a la Fundación y a su autor, si el mismo ha sido indicado. Todos los derechos están reservados. No se autoriza la reproducción de la misma en medio impreso, técnico o de difusión masiva alguno, con o sin fines comerciales, sin la previa solicitud por escrito a la Fundación y su consecuente aprobación.